spazi di proiezione
Spazi
espaces de projection
© Eduardo Rodà - Poster Mostra del 2008 – Archivi Rodà
Gli spazi delle proiezioni sono multipli, come
multiple sono le tele che le ricevono, proiezioni mentali accolte su
superfici simili a degli schermi.
Una trentina d’opere, di dimensioni varie, scandiscono lo spazio aperto
della galleria ad intervalli regolari nell’ unica sala espositiva del piano
terra.
Vari momenti, scelte non certo facili, nate da
molteplice visite in atelier, dalla direzione della galerie Bernard e di Arteka,
che aveva prodotto il catalogo e finalizzato il testo per questa mostra.
Dall'omaggio giovanile a Morandi e Mondrian,(degli
anni italiani), passando per il secondo periodo di "linea striscia e
quadrato" inizi anni '80 (in Canada), alle tele di "Mise au point" del 1986/88, fino a "Monitor"
del 1992 e "Urgence" del 2008.
© Eduardo Rodà – Composizione
4 – 1976 – Olio su tela cm. 24x30
COMUNICATO STAMPA- Mostra d’arte
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Eduardo Rodà Spazio di proiezione,
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Scelta di opere dal 1971.
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Galleria Bernard, Montréal - dal 23 aprile al 24 maggio 2008.
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La mostra alla Galleria Bernard costituisce un importante sorvolo di molti
anni di lavoro d’Eduardo Rodà. L’artista, attivo sulla scena di
Montréal e del Québec (Canada), non è stato dimenticato grazie a una
produzione artistica sempre sostenuta. Le opere disponibili si leggono in
piu` «tappe», che coprono gli anni 1971 al 2008. Un documento precedente
(E.Rodà, spazio, colore e materia, Arteka 2004) aveva già presentato
l’artista come colui che gioca sull’effetto materia, sollecitando dei valori
sensoriali, dove il segno, lo spessore della pittura, la vibrazione dei
colori sono preponderanti.
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Ritroviamo, in questa mini retrospettiva, l’evoluzione
di mezzi semplici : la creazione di uno spazio di proiezione nuovo genere, poetico e
particolarmente impressionante. Nella scelta delle opere, ritroviamo lo spazio della prospettiva: lineare,
geometrica, divisibile per delle avventure quasi illimitate dell’occhio sulla
superficie delle forme realizzate in un cromatismo originale che si applica
su piani diversi al fine di
creare una sensazione di rilievo.
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(…) La reputazione acquisita dall’artista
Eduardo Rodà attraverso tante mostre importanti, inclusa l’attuale, dimostra
la ragguardevole coerenza della sua traiettoria, della sua evoluzione secondo
le necessità plastiche, per riflessione e poderatezza. Le tele sembrano
«scavate» su quadrati, in un vuoto infinito, di una intensa chiarezza,
ritagliando con estrema precisione, le zone vellutate. La capacità d’Eduardo Rodà
s’afferma con il colore che è
più di un riflesso sospeso in uno spazio senza gravità. I quadrati definiti
in una maniera impeccabile e l’azione ottica ci gettano in una prospettiva sottile e imprevedibile di
uno spazio che noi percepiamo come abitato. Le scelte del suo spazio
espressivo emergono anche dal titolo
della mostra soprattutto per le opere piu’ recenti. La paletta dei
colori, i quadrati/dettagli, le frequenze che si accoppiano, si separano, si
sovrappongono, rimano
con i sentimenti presenti nello spettatore, colui che vive una
coscienza profonda atta a penetrare l’opera. È importante per lo spettatore
fare lo sforzo necessario per una penetrazione significativa dell’opera,
obligandosi d’astenersi di trovare in questo tipo d’arte, il solo elemento
decorativo provocato soprattutto dalla scelta dei colori.
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(…) Lo scorrere leggero dei quadrati d’Eduardo
Rodà, per esempio, su un fondo a tenore infinito, ci confronta con un
sentimento di spazio proiettato verso la dimensione cosmogonica, come se
fosse governata da una forza universale impalpabile, ma profondamente
sentita, simile a quella che alimenta le nostre nuove nanotechnologie e
l’energia del pensiero. Ecco in principio un passaggio dalla meccanicità
dell’astrazione dei primi anni, a una possibile astrazione contemporanea,
basata sù una energia piu conforme a quella che alimenta i valori intrinsechi
delle opere d’arte.
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Qui l’artista
ricerca attraverso le percezioni technologiche contemporanee, una sintesi,
tanto nella forma quanto nella materia e nella luce, capaci di suggerire dei
nuovi parametri per una pittura che possa sempre rappresentare con una
profonda ponderazione, dei sentimenti semplici e pieni di energia che potrebbero
formare una base più avanzata e più conforme alla contemporaneità della
nostra percezione e della nostra scienza attuale.
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Infine, Rodà lavora
sugli strati della composizione, giocando in profondità : molti de suoi
quadri sono composti da due piani ravvicinati, quello di fondo, spesso opaco,
l’altro piu lucido e quasi trasparente per zone, grazie all’effetto della
luce che si riflette. Due piani, che ricevono delle forme, (quadrati,
rettangoli, ecc.), entrano in relazione gli uni con gli altri per mezzo di
sovrapposizioni,coincidenze, secondo sistemi semplici. Egli esplora i
problemi dello spazio, della luce, della profondità, della visibilità,
dell’occultazione e del cambiamento, di modo che la posizione dello
spettatore diventi responsabile di una modificazione della percezione
dell’opera che è anche provocata dall’aspetto della materia/colore.
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L’arte di Rodà assicura il mantenimento di un sapere e
di una tradizione che sono state sostenute mondialmente da artisti russi,
tedeschi, svizzeri, olandesi, polacchi, argentini, francesi, americani,
italiani e canadesi.
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« Ma l’Arte Astratta resta sempre minacciata dal
formalismo e dalla decorazione; quello che è più importante nella forma,
preveniva Kandinsky, è di sapere se essa nasce dalla necessità interiore o
no ».
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Testo critico di (Gianguido Fucito) Arteka Cabinet-conseil, 2008
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(Estratti dal catalogo della mostra)
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Eduardo RODÀ
Mini-rétrospective
2008 choix d’œuvres depuis 1971.
L’exposition
de la Galerie Bernard constitue un important survol de plusieurs années de
travail d’Eduardo Rodà. L’artiste, actif sur la scène montréalaise et du
Québec, n’a pas été oublié grâce à une production artistique toujours soutenue.
Les œuvres disponibles se lisent en plusieurs étapes couvrant les années 1971 à
2008. Un document précédent (E. Rodà, Espace, couleur et matière, Arteka 2004)
avait déjà présenté l’artiste comme étant celui qui joue sur l’effet matière et
sollicite des valeurs sensorielles où le signe, l’épaisseur de la peinture, la
vibration des couleurs sont prépondérants.
On
retrouve, dans cette minirétrospective, l’évolution de moyens simples, la
création d’un espace de projection nouveau genre, poétique et particulièrement
impressionnant. Dans le choix des œuvres, on retrouve l’espace de perspective,
linéaire, géométrique, divisible par des aventures quasi illimitées de l’œil
sur les surfaces de formes réalisées dans un chromatisme original qui
s’applique sur des plans différents afin de donner une sensation de relief.
Espace de
projection.
En
analysant les œuvres d’Eduardo Rodà on les associe
presque
immédiatement à l’Art Concret.
L’Art
Concret est la création de ce qui est perceptible visuellement et sa
réalisation plastique est conditionnée par la couleur, l’espace, la lumière et le mouvement. Cet art n’est
compréhensible que par l’intellect : seuls ceux qui n’ont pas encore fait
l’expérience de cet art avec leurs sens, ont besoin de moments de réflexion
conceptuelle pour l’approcher.
Dans l’histoire de l’abstraction, l’Art Concret eut une
histoire plutôt courte, mais avec beaucoup d’influence sur le développement de
l’art moderne et contemporain. Ce terme (Art Concret) inventé par Theo van Doesburg
en 1930 pour remplacer le terme Art Abstrait, une revue du même nom qui ne devait connaître qu’un numéro, fut lancé par ce dernier, en avril 1930, moins d’un an
avant son décès. Depuis lors, Art Concret a prévalu dans les écrits de certains
artistes, tel Arp et Bill. Mais il demeure le terme le plus courant et il
faudrait spécifier que de 1910 à 1930, les maîtres de cet art n’ont jamais
employé d’autre terme que celui d’Art Abstrait (Kandinsky, Malevitch, Mondrian
et van Doeburg).
Rice Pereira, déjà en 1940 a invoqué l’existence
de trois types d’abstraction : la représentative,
celle qui violente les objets
naturels pour toucher leur essence ; l’intuitive,
celle qui donne la forme au subconscient;
puis vient le géométrisme ou scientifique de l’esthétique qui cherche
les équivalents plastiques des découvertes révolutionnaires de la mathématique,
de la physique, de la biochimie de même que la radioactivité.
La réputation acquise de l’artiste Eduardo Rodà à travers
plusieurs expositions importantes, incluant celle-ci, démontre la remarquable
cohérence de sa trajectoire, son évolution selon les nécessités plastiques, par
réflexion. Les toiles semblent se creuser sur des carrés, dans un vide infini,
d’une intense clarté, découpant avec extrême précision, les zones veloutées. La maîtrise d’Eduardo Rodà s’affirme
avec la couleur qui est plus qu’un
reflet suspendu dans un espace sans gravité. Les carrés définis d’une manière
impeccable et l’action optique nous jettent dans une perspective subtile et
imprévisible d’un espace que nous percevons comme habité.
Le choix de son espace expressif émerge dans le titre de l’exposition
surtout pour les œuvres plus récentes. La palette de couleurs, les carrés/détails,
les fréquences qui se couplent, se séparent, se surimposent, arriment avec les
sentiments présents chez le spectateur, celui qui vit une conscience profonde
apte à pénétrer l’œuvre. Il est important pour le spectateur de faire l’effort
nécessaire afin d’obtenir une pénétration significative de l’œuvre, en s’obligeant
à s’abstenir de trouver dans ce type d’art, le seul élément décoratif provoqué
surtout par le choix des couleurs.
Afin de suivre davantage l’évolution de l’œuvre de Rodà, il
faudrait porter une certaine attention au Cubisme qui a relevé le problème d’une
nouvelle représentation de l’espace, et aussi au Futurisme qui a cherché une
nouvelle représentation du mouvement; les deux courants, sur le plan des
valeurs sociales, exaltent en parallèle la civilisation mécanique, où l’intérêt
n’est plus porté vers l’objet, mais vers la matière, comme la physique moderne
vers l’énergie. De plus, la peinture abstraite a porté l’insert vers quelque
chose de nouveau, c'est-à-dire, l’indication de la théorie de l’univers
atomique; les peintres abstraits ont représenté quelque chose de non matériel,
mais plutôt de primaire, cosmique et indestructible. Le mouvement MADI (Matérialisme
Dialectique) affirme que l’art est un affranchissement dans une société en « devenir »
constant. Carmelo Arden Quin est le fondateur du mouvement, depuis 1946 à
Buenos Aires; il voulut affirmer que l’art est dans l’espace et qu’il se doit d’explorer
toutes les possibilités qui peuvent exister dans la confrontation entre la
forme créée et toutes dimensions de l’espace environnant.
Eduardo Rodà est, à sa façon, très proche du mouvement MADI
actuel (Art Construit International) en voulant exprimer un art universel sur
les règles fondamentales de la physique et de la géométrie comme le seraient
les mathématiques en tant que norme universelle, s’appliquant à tous les
domaines de la création humaine. Il est donc un artiste contemporain du XXI siècle
lié aux influences et à la personnalité des artistes qui l’ont précédé. À
travers ses formes synthétisées de figures géométriques élémentaires qui sont
la ligne, le carré, le triangle, le polygone, la courbe, le cercle, la croix,
le point, il cherche comme plusieurs autres contemporains à travers le monde,
le plaisir ou la joie, dans les espaces fondamentaux les plus simples.
Prenons en exemple le tableau de Mondrian du Boogie-Woogie qui apporte vraiment une
impression de joyeux abandon (E.H. Gombrich – Invention et Découverte) ; c’est aussi une sensation que nous découvrons
dans plusieurs œuvres de Roda, dans les limites d’une discipline qu’il s’était
imposée. Il est évident que l’œuvre et la démarche d’Eduardo Rodà pour être
appréciée à sa juste place, devraient être regardées en fonction des mouvements
qui lui sont antérieurs, comme l’œuvre de Max Bill, Vantongerloo, Ellsworth
Kelly, l’Art Concret suisse depuis 1930 et le mouvement argentin MADI.
Les glissements des carrés d’Eduardo Rodà, par exemple, sur
un fond à teneure infinie, nous confrontent avec un sentiment d’espace projeté
vers la dimension cosmogonique, comme s’il était gouverné par une force
universelle impalpable, mais profondément sentie, similaire à celle qui
alimente nos nouvelles nanotechnologies et l’énergie de la pensée. Voici en
principe un passage de la mécanicité de l’abstraction des premières années, à une
possible abstraction contemporaine, basée sur une énergie plus conforme à celle
qui alimente les valeurs intrinsèques des œuvres d’art.
L’artiste en chapitre recherche à travers les perceptions
technologiques contemporaines, une synthèse, autant dans la forme que dans la
matière et la lumière, qui soient capables de suggérer de nouveaux paramètres
pour une peinture qui puisse toujours représenter avec une profonde réflexion,
des sentiments simples et pleins d’énergie qui pourront former une base plus
avancée et plus conforme à la contemporanéité de notre perception et de notre
science actuelle.
En conclusion, Rodà travaille dans les plans, en jouant
avec profondeur : plusieurs de ses tableaux sont composés de deux plans
rapprochés, celui du fond, souvent opaque, l’autre plus lucide et presque
transparent par endroits, par l’effet de la lumière qu’il reflète. Ces plans,
recevant des formes (carrés, rectangles, etc.), entrent en relation les unes
avec les autres par des jeux de superpositions, de coïncidences, selon des systèmes
simples. Il explore le problème de l’espace et celui de la lumière, de la
profondeur, de la visibilité, de l’occultation et du changement, de sorte que
la position du spectateur entraîne ainsi une modification de la perception de l’œuvre
provoquée aussi par l’aspect de la matière/couleur.
L’art de Rodà assure le maintien d’un savoir et d’une
tradition qui ont été soutenus mondialement par des artistes russes, allemands,
suisses, néerlandais, polonais, argentins, français, américains, italiens et
canadiens.
« Mais l’Art Abstrait reste toujours menacé par le
formalisme et la décoration; ce qu’il y a de plus important dans la forme, prévenait
Kandinsky, c’est de savoir si elle est issue de la nécessité intérieure ou non ».
(GF) Arteka
cabinet-conseil, 2008
© Eduardo Rodà – Vista d’insieme della
Mostra del 2008 – Foto Archivi Rodà
Eduardo RODÀ
Projection Space,
A selection of works since 1971
The exhibition at Galerie Bernard comprises a critical
overview that spans several years of paintings produced by Eduardo Rodà. An
active player on the Montreal and Quebec artistic scenes, the artist is ever
present, in part because of a full-bodied artistic production. We can
experience his works in their different phases, from 1971 to 2008. A previous
document entitled E. Rodà, Space, colour and matter, Arteka 2004, had already
portrayed the artist as someone who plays on the effects of his medium,
triggering sensorial values where figures, a thick layer of paint, and
vibrating colours are dominating factors.
We discover the trend of simple means in this one-man
show, the creation of a new genre of projection space, poetic and especially
impressive. Within the selection
of his works, there emerges a space for a linear, geometric perspective,
divisible by a quasi-unlimited roaming of the eye over surfaces whose forms are
created by unusual colourings applied on different planes that project an
impression of depth.
In analysing Rodà’s paintings, we associate them
almost immediately with Concrete Art.
Concrete Art creates what is visually perceivable and its plastic
realisation is conditioned by colour, by space, by light and movement. This
form of art is grasped solely by the intellect: those who as yet have not
experienced this art will need a few moments of conceptual reflection to
understand it.
In the history of abstract art, Concrete Art was
short-lived but its influence on the development of modern and contemporary art
is immeasurable. Theo van Doesburg coined the term ‘concrete art’ in 1930,
using it to replace ‘abstract art’. This was also the name of a magazine he had
launched in April 1930, of which a single issue was printed less than a year
before his death. One should note that since then, concrete art dominated
articles written by several artists, such as Arp and Bill, but the fact remains
that this term is the most current and, specifically from 1910 to 1930, the
masters of this art (such as Kandinsky, Malevitch, Mondrian and van Doesburg)
never used any other term but
‘abstract art’.
As early as 1940, Rice Pereira defined the existence
of three types of abstraction: the representative kind that assaults natural
objects, affecting their core essence; the intuitive kind, which gives shape to
the subconscious; and finally, the geometric or scientific notion of beauty
that seeks its equivalent in plastics and emanates from the revolutionary
discoveries of mathematics and physics, of biochemistry, and as well,
radioactivity.
Eduardo Rodà has acquired a reputation thanks to
several major exhibits, including this one, demonstrating the remarkable
coherence of his trajectory, his development through thought, in accordance
with plastic requirements. The canvases seem to dig themselves into squares,
into an infinite void of intense clarity, making the velvety areas stand out
with such precision. Rodà’s mastery affirms itself with colour, more than just
a suspended and jutting reflection, in a no-gravity space. The squares, defined
in such an impeccable manner, and his optic achievement throw us into a subtle,
unpredictable perspective, a space we see as inhabited.
His choice of expressive space emerges in the
exhibit’s title, especially in reference to his most recent works. The colour
palette, the squares\details, the frequencies that join and separate, then
superimpose, are asserted with the emotions felt by the viewer, the viewer who
experiences a profound understanding, capable of delving deep into the
painting. It is essential for the
viewer to make the necessary effort to attain meaningful insight into Rodà’s
work, by imposing abstinence of searching for the lone decorative element in
this type of art, elicited mostly by colours.
To better follow the evolution of Rodà’s paintings,
one must think cubism, raising the idea of a new depiction of space, and, as
well, futurism, seeking a new image to represent movement. On a level of social
values, these two currents combined exalt a mechanical society where, rather
than just concentrating on matter, one’s curiosity focuses instead on the
object, similar to the way modern physics is attracted to energy. As well,
abstract painting, has brought the insert to a newer level, that is, the
indication of a theory of the atomic universe. Abstract painters have
represented something not immaterial but rather primary, cosmic and
indestructible. The MADI movement
(dialectic materialism) affirms that art is the freedom of a society constantly
in the making. Since 1946, the founder of this movement, Carmelo Arden Quin,
insisted that art is in space and we must explore every possibility that exists
therein by confrontation between the created form and all the dimensions in the
surrounding space.
Eduardo Rodà is, in his own way, very close to the
current MADI movement (International Constructed Art), in wanting to express a
universal art on the basic rules of physics and geometry, as are mathematics as
a universal standard, applied to all sectors of human creation. He is therefore a contemporary artist
of the 21st Century, attached to the influences and to the personalities
of artists who have preceded him. Through his synthesized forms of elementary
geometric figures – these being lines, squares, triangles, polygons, arcs,
circles, crosses, points – he seeks, as do many of his contemporaries across
the world, the pleasure or the joy in the most simple of fundamental spaces.
Let’s take for example Mondrian’s canvas Boogie-Woogie,
which projects an impression of such joyous abandon (E. H. Gombrich, Invention et Découverte (Invention and
Discovery)). We discover this same feeling that we discover in Rodà’s works,
contained within the limits of a self-imposed discipline. It is obvious that in order to
appreciate them in their just place, Rodà’s work and his approach should be
judged on the basis of prior movements, such as the works of Max Bill, Vanongerloo,
Ellsworth Kelly, the Swiss concrete art since 1930, and the Argentine MADI
movement.
For example, Rodà’s slips of squares on a background
of infinite application, challenge in us a sense of projected space towards a cosmogonic
dimension, as if it were governed by an impalpable universal power yet felt so
profoundly, similar to the one that sustains our new nano-technologies and
thought energy. Here is an opening into the mechanics of abstraction, as
demonstrated during its first years, towards a contemporary abstraction based
on energy that is more in line with supporting the intrinsic values of art
works.
Through contemporary technological perceptions, Rodà
looks for a synthesis – an integration of form as much as matter and light,
capable of suggesting new parameters for paintings that always represent
through deep thinking the simple feelings full of energy that can form a more
advanced base that is more in line with our contemporaneous perception and
current science.
In conclusion, Road works with planes by playing with
depth: several of his paintings are composed of two fronts brought together,
one in the background, often opaque, the other more distinctive and almost
transparent in certain areas, through the lighting effect that it produces.
These fronts to which forms are added (squares, rectangles, etc.), relate to
one another via overlapping integrations, coincidences, following a very simple
set of principles. He explores the issue of space and light, of depth,
visibility, shadowing, and variation in such a way that the viewer’s position
brings about a new perception to the canvas, forced also by the appearance of
matter-colour.
Rodà’s art ensures that knowledge and traditions, in
the past upheld worldwide by many Russian, German, Swiss, Dutch, Polish,
Argentine, French, American, Italian, and Canadian artists, are continued
today.
As explained by Gianguido Fucito, “Abstract Art is
always threatened by formalism and decoration; Kandinsky warned us: what is
most important in form, is to know whether it stems from internal necessity or
not.”
Texts and graphism:
(GF) Arteka cabinet-conseil
Translation: Ana Domenica Rodà
I 5 PIU LETTI su Pagine Parole Arte
* Artisti,
blogosfera……and Dalí
by Eduardo Rodà and Ana Rodà
* Maria Teresa
Bagnato – giovane architetto a Milano
* Dagli scuri
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