YEAR XIV 2026 N.83
proscenio170@gmail.com
Eduardo Rodà Artist
Shed light on
Art That Thinks
Leonardo often liked to say that painting was a “mental endeavor.”
Building and designing are, after all, still mental endeavors.
Art invites us to perceive and reflect; thinking about Art with a capital “A” was the dream of my generation—a way of life, somewhat bohemian, where accepting the consequences and everything that came with it was normal.
We lived without an art market—a situation that persists even today. This absence confirms more than ever that the ephemeral and the unstable are the ingredients of the unsustainable system of art.
Ultimately, by focusing exclusively on art fairs and auction houses, we’re playing it safe with the so-called “blue-chip” artists and the secondary market, while neglecting the artistic and cultural values of the moment—independent artists remain invisible.
In the early ’80s, it was the era of Minimal Art and Land Art; Conceptual Art was still present, and the imminent death of art was being proclaimed. Then came Post- and Neo-Expressionism and the Transavantgarde movements.
In contrast, Neo-Geometric art was establishing itself in New York with a new generation of artists: the “Image” generation.
Once upon a time, there were alternative art galleries and self-managed artist-run spaces; young artists, fresh out of school, cut their teeth by exhibiting even in cultural centers. This wide range of opportunities for creative expression and experimentation enriched the artist. The next step, if possible, was commercial galleries—a necessary partnership. A loyal clientele appreciated the artist’s work and personality, and the gallery worked for the artist and vice versa.
Over time, the viability of individual commercial galleries has dwindled, supplanted by large exhibition venues that are now beginning to face crises. Thus, auction houses are emerging as the dominant alternative, positioning themselves as direct intermediaries for collectors; consequently, they will be the ones to decide which artists succeed—so much for the democratization of art.
The art world is constantly changing, much like small businesses that succumb to the arrival of the Amazons of this world.
Today, there is no shortage of calls for art that is more accessible—and therefore more superficial—with more easily digestible content. But art is the opposite of all this; art must shake us awake and disturb us from the lethargy into which we so often fall.
With Instagram, the commodification is total: glossy photos, everyone’s an artist, the DIY trend takes over, dream studios, camera that capture the “moment of grace”—the catalog is ready,
collectors flock to it, and art appears to become more democratic in terms of accessibility. The enormous works fill the large walls of spacious homes, blending perfectly with the color of the sofa.
But what if art weren’t all that? What model, then?
With humanism, man is at the center of attention; the Renaissance affirms the figure of the Artist, distancing itself from the artisan without ever disparaging him. Thus, the artist, in his uniqueness, establishes himself as an intellectual figure in the service of great patrons, who often impose their own dictates; many works are rejected, deemed provocative, only to end up in private collections, far from prying eyes.
Caravaggio turned everything and everyone upside down; his painting demonstrated his virtuosity in still lifes, and he made a name for himself in Rome, far from his native Milan. Later, his great pictorial revolution—which moved away from the deep shadows so often admired in Leonardo’s canvases, such as *The Virgin of the Rocks*—would become increasingly established.
That light that falls upon the figures, freezing them in the moment of action—extras in a world of the downtrodden, partially illuminated and bathed in twilight that turns to shadow, with deep, dark recesses. That light is not only divine light but also the light of the mind.
Caravaggio was rediscovered in the 1950s by the renowned critic Longhi, who dubbed him “Caravaggio the Modern”; he is still revered today and has never been more relevant.
© Eduardo Rodà - 1986 - Mise au Point - Focus - acrylic on canvas - cm. 76x107
One thing leads to another; references are important, whether they are extrapictorial or self-referential.
The artist’s thought is the foundation of his artistic work—the search for truth and the assertion of a vision that often alienates because it is uncomfortable and unsettling. Conformity takes precedence at the expense of creativity, and everything becomes pure and simple decoration. The risk is evident—that razor-thin line separating us from mere decoration, which Baroque art, despite its theatricality, will masterfully sidestep by highlighting refined design and the conceptual framework of a total art in situ, one that will engage multiple artistic disciplines and spread throughout Europe. Thus, the first installations emerge.
“But abstract art is always threatened by formalism and decoration; what is most important in form,” Kandinsky warned, “is knowing whether it stems from an inner necessity or not.” Gianguido Fucito
Art and Science
Major scientific discoveries will influence art and artists; art and science share a strong connection. There is no shortage of examples of artists who made use of scientific discoveries: Vermeer, who implicitly employed the camera obscura and included maps in the background that were updated with the latest discoveries; Caravaggio, who used mirrors, telescopes, and direct light streaming in from the roof of his home. Many other artists employed techniques and devices to enrich their pictorial results.
Closer to our own time, Morandi—beyond his still lifes—loved to paint landscapes. He often traveled about forty kilometers outside Bologna, where, from the windows of his country home, he would admire the surrounding landscape, framing it with a piece of cardboard or through telescopes so he could paint it through a process of zooming in and out.
In times not far removed from our own, photography would establish itself over the years as an autonomous art form, while contemporary digital technologies would be used by many artists, who actively integrated them into their artistic practice—especially in North America more than anywhere else.
Here, I must not forget the research into kinetic art in the 1970s, and my thoughts turn to my friend and artist Jacques Palumbo, the father of Canadian programmed art, with whom I had the honor of exhibiting my works in the late 1990s
The complexity of the world we live in today, in this technological age where everything is controlled by the powerful, means that individuals’ intellectual property is trampled upon, expropriated, appropriated, and exploited by tech companies, violating basic copyright laws, to feed and fatten the machines of time, which then regurgitate the accumulated knowledge on demand, in no particular order, subjecting the individual to the weight of groupthink.
Once again, which schools of thought have been chosen for this lavish feast? Freedom of thought is multifaceted; multiple perspectives amplify horizontality, while verticality is the sign of the times.
Apparently, ancient and modern volumes are being purchased, digitized, and then destroyed. Selfishness knows no bounds; the desert of memory awaits us; denying appearances will become increasingly difficult—there will be no evidence left. Fascism has a thousand tentacles and many faces; the octopus of infatuation infiltrates the very depths of society as a whole, not sparing the arts or committed artists.
How and to what will art respond in all of this? When and why should it respond?
In the past, it was common for successive artistic movements to emerge in opposition to what came before; Impressionism followed the art of the French academies. All the movements that emerged in the twentieth century—the “-isms”—enriched the 20th century as never before. In response to permanent modernity, there will be an attempt at a more subdued postmodernism.
The conditions for new movements on the horizon are not yet taking shape, and we will likely experience a sort of prolonged modernity.
The artist and his or her art will therefore be called upon once again to become the central figure in a new way of approaching art, freeing themselves from all existing mega-structures and superstructures.
An art from the grassroots, from the peripheries that will become the center of renewed interest, where the center must become the periphery through possible exchanges that would foster generational growth, open to the knowledge of the world.
The trivialization we are witnessing today regarding the discourse on art—understood not as elucidation for the sake of understanding, but rather as an understanding of the various critical dynamics within the creative process.
Art is not meant to be understood; it is meant to be perceived, seen with the eye—it is itself a vehicle for new ideas and questions. Each of us will have the privilege of making an initial assessment—whether superficial or in-depth—of the work we encounter.
The total absence—and the resulting greater presence—of art in the social sphere, now reduced to mere entertainment in the “art and entertainment” sections of newspapers, renders it harmless, far removed from its true nature, which is to awaken human consciousness as it faces the mirror of the times. When I was seventeen, I felt the need to use colors. A childhood friend, Giorgio Verduci, made me my first stretcher frame; I found the cotton canvas at home and stretched it. I began by sketching and then applied oil paints—it was a copy of a painting by Giorgio Morandi, a still life featuring his bottles.
For years, that remained my only experience with color; in the meantime, drawing was the focus of my training, and shortly thereafter, at age twenty, I tried my hand again at a series of monochromatic works.
I was always intrigued by Morandi’s work—by those regular forms, centered on the canvas, and by those essential monochromes. That first painting always followed me through my constant moves; I absorbed those forms, and later—after decades of creating—they somehow foreshadowed the work I’m currently engaged in, to which I now devote myself intensely.
Today I discover and realize that those settled forms have followed me and left a deep mark on me, and they resurface in some way, as equivalents, in the fragments of images that manifest themselves in my paintings today.
The journey has been a long one—my path through the world of the arts, marked by solitude, hardships, deprivations, uncertainties, second thoughts, expectations, and hopes for recognition, projects, and work.
Seeing has been and remains the common thread running through my experiences as a painter;
seeing clearly means discovering the mechanisms of vision, which lead you to construct and appreciate an image that reflects the reality of today’s world.
(Translated from Italian)
L'arte che pensa
Leonardo spesso amava ripetere che la pittura fosse " cosa mentale"
Construire e progettare rimane pur sempre cosa mentale.
L'arte c'invita a percepire ed a riflettere, pensare all'arte con la " A" maiuscola e' stato il sogno della mia generazione, un modo di vivere, un po' bohemienne, accettare le conseguenze e tutto quello che ne derivava era normale.
Si e' vissuto con l'assenza di un mercato dell'arte che ancora oggi si potrae, tale assenza conferma piu' che mai che' l' effimero e l'instabile sono gli ingredienti del non viabile sistema, dell'arte .
In definitiva, focalizzandosi esclusivamente sul fieristico e sulle case d'asta, si gioca con i valori sicuri, i famosi blu - chip ed il mercato secondario, trascurando i valori artistici e culturali del momento, gli artisti indipendenti, rimangono ancora invisibili.
Agli inizi '80 era la stagione della minimal art, della land art, l'arte concettuale era ancora presente; si dichiarava la morte dell'arte imminente. Arrivarono i post e neo espressionismi e le transavanguardie.
In contrapposizione l'arte neogeometrica si affermava a New York con una nuova generazione d'artisti: la generazione image.
Vi erano una volta: le gallerie d'arte parallele ed i centri d'artisti autogestiti, gli artisti da giovani appena terminati gli studi si facevano le ossa esponendo anche nelle Case della Cultura. Un' ampia possibilita' di movimento di proposizioni e di sperimentazioni, arricchivano l'Artista. Il salto successivo erano se possibile le gallerie commerciali, un binomio necessario, una clientela filializzata apprezzava il lavoro dell' artista e la sua personalita', la galleria lavorava per l'artista e viceversa.
Col tempo, la viabilita' delle singole gallerie commerciali e' venuta meno, soppiantate da grosse strutture espositive che oggi iniziano ad andare in crisi, si profila cosi' un' alternativa egemone delle case d'asta, che si pongono come diretti interlocutori dei collezionisti, quindi saranno loro a decidere chi saranno gli artisti, alla faccia della democratizzazione dell'arte.
Il sistema dell'arte cambia continuamente, un po' alla maniera delle piccole realta' commerciali che soccombono all'arrivo degli amazon di questo mondo.
Oggi non mancano voci per un'arte che sia piu accessibile e quindi piu facilina, di contenuti piu' digeribili. Ma l'arte e' l'opposto di tutto questo, l'arte deve scuotere e disturbare dal torpore in cui spesso si cade.
Con Instagram, l'inscatolamente e' totale, foto patinate, artisti tutti quanti, il fai da te prende il sopravvento, atelier da sogno, camere che colgono fissando il "momento di grazia" il catalogo e' pronto, i collezionisti accorrono l'arte diventa in apparenza piu' democratica come accessibilita', le grandi dimensioni in assoluto! vanno ha riempire le grandi pareti di vaste dimore, sposandosi perfettamente con il colore del divano.
Ma' se l'arte non fosse tutto questo? quale modello?
Con l'umanesimo l'uomo e' al centro dell'attenzione, il Rinascimento afferma la figura dell'Artista, prendendo le distanze dall'artigiano senza mai squalificarlo. Quindi l'artista nella sua singolarita' s'impone come figura intellettuale, al servizio dei grandi meceni, che spesso dettano i propri dictat, molte opere saranno rifiutate, considerate provocatrice, per finire poi sempre in collezioni private lontano da sguardi indesiderati.
Caravaggio, scompiglia tutto e tutti, la sua pittura afferma la sua virtuosita' nelle nature morte, s'impone a Roma lontano dalla sua Milano, in seguito la sua grande rivoluzione pittorica, che dagli scuri cacciati, tante volte ammirate nelle tele di Leonardo, come La Vergine delle rocce, si affermera' sempre di piu'.
Quella luce che piomba sui personaggi fissandoli nel momento dell'azione, comparse di un mondo degli ultimi, illuminati in parte ed in penombra che diventa ombra e dagli scuri pro-fondi. Quella luce che non e' solo la luce divina e' anche la luce mentale.
Caravaggio riscoperto negli anni '50, del secolo scorso, dal noto critico Longhi, Caravaggio il moderno, ancora oggi adulato e mai cosi' attuale.
Da cosa nasce cosa, le referenze sono importanti, che siano extra pittoriche oppure auto riferenziali.
Il pensiero dell'artista e' la base del suo lavoro artistico, la ricerca di verita' e l'affermazione di una visione che spesso allontana poiche' scomoda e disagevole, la conformita' primeggia a discapito della creativita', tutto diventa pura e semplice decorazione. Il rischio e' evidente, quel filo sottilissimo che ci separa dal decoro e dal quale l'arte barocca seppur nella sua teatralita' scartera' magistralmente evidenziando il disegno fine, la progettualita' di un' arte totale in situ, che coinvolgera' le molteplici discipline artistiche e che si espandera' in tutta Europa. Nascono cosi' le prime installazioni.
" Ma l'Arte astratta resta sempre minacciata dal formalismo e la decorazione; quello che ce' di piu importante nella forma, preveniva Kandinsky, e' di sapere se e' conseguente alla necessita' interiore oppure no' " Gianguido Fucito
Arte e scienza
Le grandi scoperte scientifiche influenzeranno l'arte e gli artisti, arte e scienza, il legame e' forte. Non mancheranno i casi di Artisti che usarono le scoperte scientifiche, Vermeer che fa' uso implicito della camera oscura e traccia in background carte geografiche aggiornate alle ultime scoperte. Caravaggio, che usa gli specchi, i cannocchiali e la luce diretta proveniente dal tetto della sua abitazione. Tanti altri artisti useranno accorgimenti ed espedienti per arricchire i risultati pittorici.
Morandi piu vicino a noi, oltre le nature morte, amava dipingere i paesaggi, spesso si recava fuori Bologna ad una quarantina di km, dove dalle finestre della sua abitazione in campagna, ammirava il paesaggio circostante, che inquadrava con un cartoncino oppure con i cannocchiali per poterlo dipingere in un gioco di ravvicinamento e di allontanamento.
In epoche non lontano da noi, con la fotografia che guadagnera' posizionandosi negli anni come forma d'arte autonoma, mentre le tecnologie numeriche contemporanee saranno usate da molti artisti integrandole attivamente nella propria pratica artistica, soprattutto nel nord america piu' che altrove.
Qui non dimentico le ricerche intorno all'arte cinetica negli anni '70 ed il mio ricordo va' all'amico ed Artista Jaques Palumbo padre dell'arte programmata canadese con il quale ebbi l'onore d'esporre le mie opere alla fine degli anni '90.
La complessita' del mondo a noi contemporaneo, con l'era tecnologica dove tutto si gioca da padroni con con i poteri forti, le proprieta' intellettuali dei singoli vengono calpestate, espropiate, appropriate ed usate dalle compagnie della tecno, infrangendo le elementari norme dei diritti d'autore, per dare in pasto e far ingrassare le macchine del tempo, che poi vomitano su richiesta il sapere accumulato, in ordine sparso, assoggettando l'individuo al peso del pensiero unico.
Ancora una volta quale sono le scuole di pensiero scelte per questo pasto copioso? la liberta' di pensiero e' plurima, i punti di vista molteplici amplificano l'orizzontalita', mentre la verticalita' e' il segno dei tempi.
A quanto pare, volumi antichi e moderni vengono comprati, numerizzati e poi distrutti. L'egoismo non ha confini, il deserto menmonico ci attende, negare le apparenze diventera' sempre piu difficile, mancheranno le prove. I fascismi hanno mille tentacoli, molteplici visi, la piovra delle infatuazioni si infiltra nei meandri della societa' tutta intera, non trascurando le arti e gli artisti impegnati.
L'arte in tutto questo a cosa e come rispondera'? quando e' perche' dovrebbe rispondere ?
Nel passato la successione dei movimenti artistci che nascevano in contrapposizione al prima, era usuale, l'impressionismo seguiva all'arte delle accademie francesi; tutti i movimenti nati nel novecento - gli ismi, arriccheranno un XX secolo, come mai prima. Alla modernita' permanente, si tentera' con un post-modernismo rientrato.
I presupposti per nuovi movimenti all'orizzonte non si profilano e vivremo probabilmente ad una sorta di modernita' prolungata,.
L'artista e la sua arte saranno chiamati quindi ancora una volta, ha diventare figura centrale di un nuovo modo di presentarsi ad arte, liberandosi di tutte le mega e sovra strutture esistenti.
Un' arte dal basso, dalle periferie che diventeranno centro d'interesse rinnovato, dove il centro dovra' diventare periferia attraverso interscambi possibili, che aiuterebbero ad una crescita generazionale, aperti alle conoscenze del mondo.
L'appiattimento al quale assistiamo oggi, intorno al discorso dell'arte inteso: non come delucidare per capire, bensi' capire le varie dinamiche critiche all'interno del processo creativo.
L'arte non va' capita, va' percepita, vista con l'occhio, lei stessa veicolo di nuove idee ed interrogazioni, ad ognuno di noi tornera' il privileggio di fare una prima lettura in superfie oppure in profondita' dell'opera alla quale sara' confrontato.
L'assenza totale e per una maggiore presenza dell'arte nello spazio sociale, oggi ridotta a puro intrattenimento nelle rubriche giornalistiche arte e spettacolo, tale marginalizzazione la rende innocua, lontana dalla sua vera natura che e' quella di risvegliare la coscienza dell'uomo di fronte allo specchio dei tempi.
A diciassette anni, sentii il bisogno di usare i colori, un amico d'infanzia Giorgio Verduci, mi fece il primo telaio, la tela di cotone la trovai in casa e la montai, iniziai con il disegno ed applicai in seguito i colori ad olio, era una copia di un quadro di Giorgio Morandi, una natura morta le sue bottiglie.
Per anni rimase la mia unica esperienza con i colori, nel frattempo era il disegno che occupava la mia formazione e da li a poco, ventenne, mi cimentai nuovamente in una serie di lavori monocromatici.
Rimasi sempre incuriosito dall'opera del Morandi da quelle forme regolari, impiantate centralmente, da quelle monocromie essenziali. Quel primo quadro mi segui' sempre nei miei continui spostamenti, quelle forme li assorbii e piu tardi, anticiparono in qualche modo, dopo decenni di creazioni, il lavoro attuale, al quale oggi mi dedico intensamente.
Oggi scopro e realizzo che quelle forme assestate mi hanno seguito e segnato profondamente e risorgono in qualche modo in equivalenza nei frammenti d'immagini che si manifestano nelle mie pitture odierne.
Lungo e' stato il percorso, il cammino nel mondo delle arti, fatto di solitudine, fatiche, privazioni, incertezze, ripensamenti, attese e speranze di riconoscimenti, progetti e lavoro.
Il vedere e' stato ed e' il filo conduttore delle mie esperienze pittoriche,
il vedere chiaro e' lo scoprire i meccanismi della visione, che ti portano a costruire e fruirepercependo un' immagine che rispecchia la realta' del mondo odierno.
