artist

 YEAR XIV N.80

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Analytical painting

free research

 © Eduardo Rod © Eduardo Rodà - 1980 - Quale Rosso? acrylic on canvas - cm. 50x50

Analytical painting originated in Italy in contrast to conceptual art, on the borderline between Arte Povera and Pop Art, in the late 1960s and early 1970s.

 

Painting was confirmed as a means of expression, far from the conceptualism that had declared its imminent death. Analytical painting was closer to Arte Povera in its emphasis on simple means to achieve a complexity of research far removed from figurative and naturalistic representations.

 

Research into the means of painting, the analysis of color and mark-making, are the enhancing ingredients, with the work and the artist becoming the center of interest,generally far removed from any political position.

 

In France, many artists, including Buren and Toroni, were already moving in this direction. In Italy, I remember Menna and Zannettini.

 

The years of study at the Accademia Albertina were intense. We were exposed to Turin's Arte Povera, and I was interested in the work of Paolini and Della Valle. 

Among the many other young artists studying at the Academy, I remember Luigi Curcio, who was beginning to work on analytical painting, indirectly confirming that I was not the only one walking this path.

 

So it was the analytical path that I chose for my first exhibition in Volpiano in 1977, together with the cosmic works of the artist Ferruccio D'Angelo, also a student at the Academy.

 

A group of works, tempera on paper, part of the series: Superficie - Linea Striscia Quadrato (Surface - Line Strip Square), were exhibited at the Palazzo Comunale.

Presented in the catalog by master sculptor Sandro Cherchi, of the Corrente group, it was the basic experience that later led us to Turin in 1980 to found the Gruppo Opera 80 with sculptor Francesco Fortino

 

 

Economy of resources, painting, color and sign analysis

1977 - 1985

 

Beyond all the possible clichés that have always seen the vast majority of artists in a situation of economic precariousness and having to make choices when purchasing artistic materials. 

 

Producing a work that goes beyond aesthetic value implies that the materials must be excellent in order to achieve a good overall level of quality, what we would today call museum standards.

Limiting the number of canvases to be produced was normal in my case, especially as a young artist. Later, my budget would increase thanks to sales and a salary from a career in teaching.

                                                                    © Eduardo Rodà - 1979 - Superficie 3 - Linea Striscia Colore - acrylic on canvas - cm. 60x80

 

                                                                    © Eduardo Rodà - 1979 - Superficie 4 - Linea Striscia Colore - acrylic on canvas - cm. 60x80

                           

                                                                      © Eduardo Rodà - 1980 - Linea Striscia - acrylic on canvas - cm. 50x50

                                                                        © Eduardo Rodà - 1980 - Sovrapposizione Lineare 1 - acrylic on canvas - cm. 50x50

                                                                © Eduardo Rodà - 1980 - BLU 1 - acrylic on canvas - cm. 80x80

 

My research initially focused on the importance of the surface, and therefore 

the paramount importance of the plane on which any visual experience takes place.

The predominant white, where all colors manifest themselves, is the white sheet of paper where the drawing, the stroke, acquires absolute value.

The three primary colors alternate and dominate perception.

The squares multiply according to the golden ratio.

The mark is established as a primary form, drawing a straight line from point A to point B, drawing several parallel straight lines that expand in thickness, becoming stripes, in a vocal vibrato, gaining surface area and becoming a field of color. This way, was born: Surface - Line Stripe Square, which continued until 1985. 

 

 

Works to look at, works to read

 

In an age where we are constantly searching for the newest, the brightest, everything is consumed frantically, and art is no stranger to this phenomenon. Art fairs have become fast-art supermarkets, where you discover new fast-talents, only to forget them as soon as you walk out the door.

 

There is no point in visiting a museum and seeing 300 works in passing; one could be satisfied with seeing one work, in a sort of slow vision, looking at it carefully and reading it as one reads a book, beyond a first superficial reading: I like it, I don't like it. One would discover the times of creation, which are not the times of running away.

 

The long timescales of my creations are like the working days of artists in the Middle Ages who, in reference to fresco painting, painted on wet plaster and discarded the leftovers at the end of the day.

 

Dictated by the materials available to me and the sought-after materiality of the color mixture, the drying time is slower, so I have to continue the next day.

Painting one or more pictures at the same time has never been my prerogative; I have always concentrated on a single work.

 

The concept of factory production did not interest me, and I have remained faithful to this approach until now.

For my creative curiosity, art remains a mental thing, and the pleasure of execution remains intact. 

 

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Peinture analytique

recherche libre

 

La peinture analytique est née en Italie en opposition au conceptualisme, à la frontière entre l'arte povera et le pop art, à la fin des années 60 et au début des années 70.

 

La peinture s'affirme comme moyen d'expression, loin des conceptualismes qui annonçaient sa mort imminente. La peinture analytique se rapproche  davantage  de l'arte povera dans la valorisation de moyens simples pour parvenir à une complexité de recherche loin des représentations figuratives et naturalistes.

 

La recherche autour des moyens de la peinture, l'analyse de la couleur et du signe, sont les ingrédients valorisants, l'œuvre et l'artiste deviennent le centre d'intérêt, loin en général de toute position politique.

 

En France, de nombreux artistes, parmi lesquels Buren et Toroni, s'orientaient déjà dans cette direction. En Italie, je me souviens de Menna et Zannettini

 

Les années artistiques à l'Académie Albertina ont été des années d'études intenses, nous étions exposés à l'arte povera turinoise, je m'intéressais au parcours de Paolini et Della Valle. 

Parmi les nombreux autres jeunes artistes étudiants à l'Académie, je me souviens de Luigi Curcio qui commençait à travailler sur la peinture analytique, me confirmant indirectement que je n'étais pas le seul à suivre cette voie.

 

C'est ainsi que j'ai privilégié la voie analytique avec ma première exposition à Volpiano en 1977, aux côtés des œuvres cosmiques de l'artiste Ferruccio D'Angelo, lui aussi étudiant à l'Académie. 

Un ensemble d'œuvres, des tempera sur papier, faisant partie de la série :  Superficie - Linea Striscia Quadrato, ont été exposées au Palazzo Comunale. 

Présentées dans le catalogue par le maître sculpteur Sandro Cherchi, du groupe Corrente, elles ont constitué l'expérience fondamentale qui nous a conduits plus tard, en 1980, à Turin, à la fondation du Gruppo Opera 80 avec le sculpteur Francesco Fortino.

 

 

Économie des moyens, peinture, analyse de la couleur et du signe

1977 - 1985

 

Au-delà de tous les clichés possibles qui ont toujours vu la grande majorité des artistes dans une situation de précarité économique et contraints de faire des choix au moment de l'acquisition de matériaux artistiques. 

Produire une œuvre qui va au-delà de la valeur esthétique implique que les matériaux soient excellents pour atteindre globalement un bon niveau de qualité, ce que nous appellerions aujourd'hui des normes muséales.

Dans mon cas, me limiter au nombre de toiles à réaliser était normal, surtout en tant que jeune artiste, puis les budgets se sont enrichis en fonction des ventes  et d'une partie du salaire d'une carrière dans l'enseignement.

 

Au départ, ma recherche s'est concentrée sur l'importance de la surface, donc sur l'importance capitale du plan sur lequel se déroule toute expérience visuelle.

Le blanc prédominant où toutes les couleurs se manifestent est la feuille blanche où le dessin, le trait acquiert une valeur absolue.

Les trois couleurs primaires alternent et dominent la perception.

Les carrés se multiplient selon le nombre d'or.

Le signe s'établit comme forme primaire, tracer une ligne droite d'un point a à un point b, tracer plusieurs lignes droites parallèles qui s'épaississent, devenant des bandes, dans un vibrato vocal, gagnant la surface, devenant un champ de couleur, c'est ainsi qu'est né :  Surface - Ligne Bande Carré, qui s'est prolongé jusqu'en 1985. 

 

 

Des œuvres à regarder, des œuvres à lire

 

À une époque où l'on recherche sans cesse la nouveauté absolue, le plus brillant parmi les brillants, tout est consommé frénétiquement et l'art n'échappe pas à ce phénomène. Les salons deviennent les supermarchés de l'art rapide, où l'on découvre de nouveaux talents rapides, que l'on a déjà oubliés dès que l'on a franchi la porte d'entrée.

Il ne sert à rien de visiter un musée et de voir 300 œuvres en passant, on pourrait se contenter de voir une œuvre, dans une sorte de slow-vision, en la regardant attentivement et en la lisant comme on lit un livre, au-delà d'une première lecture superficielle : j'aime, je n'aime pas, on découvrirait les temps de la création qui ne sont pas les temps de la fuite et de l'évasion.

 

Les longs délais de mes créations sont comme les journées de travail de l'artiste qui, depuis le Moyen Âge, en référence à la fresque, peignait sur le frais et dont les restes à la fin de la journée étaient jetés.

 

Dicté par les matériaux dont je dispose et par la matérialité recherchée du mélange des couleurs, le temps de séchage est plus lent, ce qui m'amène à continuer le lendemain.

Peindre sur un ou plusieurs tableaux en même temps n'a jamais été ma prérogative, je me suis toujours concentré sur une seule œuvre.

Le concept d'usine ne m'intéressait pas et j'ai fidèlement respecté cet aspect jusqu'à présent.

Pour ma curiosité créative, l'art reste toujours une chose mentale et le plaisir de l'exécution reste intact. 

 

 

 

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Pittura analitica

ricerca libera 

 

La Pittura Analitica nasce in Italia in contrapposizione al concettuale, ai confini dell'arte povera e della pop art; siamo alla fine degli anni '60 ed inizi anni '70.

 

La pittura si conferma come mezzo espressivo, lontano da concettualismi che ne dichiaravano la morte immanente. La pittura analitica si avvicina  di piu  all'arte povera come la valorizzazione di mezzi semplici per arrivare ad una complessita' di ricerca lontano da rappresentazioni figurative e naturalistiche.

 

La ricerca intorno ai mezzi della pittura, all'analisi del colore e del segno, sono gli ingredienti valorizzanti, l'opera e l'artista che diventano il centro d'interesse,

lontani in generale da ogni posizione politica.

 

In Francia, gia' molti artisti tra gli altri:  Buren, Toroni, si muovevano in questa direzione, in Italia ricordo Menna e Zannettini

 

Sono anni intensi di studi gli anni artistici all'Accademia Albertina,, eravamo esposti all'arte povera torinese, mi interessava il cammino di Paolini e Della Valle. 

Tra i tanti altri giovani artisti studenti all'Accademia, ricordo Luigi Curcio che iniziava a lavorare alla pittura analitica, confermandomi indirettamente che non ero il solo ha camminare su questa strada.

 

Cosi fu' e' la via analitica che privileggiai con la prima mostra a Volpiano nel 1977, insieme alle opere cosmiche dell'Artista Ferruccio D'Angelo, anche lui studente all'Accademia. 

 

Un gruppo di opere, delle tempere su carta, parte della serie:  Superficie - Linea Striscia Quadrato, furono esposte al Palazzo Comunale. 

Presentati in catalogo dal Maestro scultore Sandro Cherchi, del gruppo Corrente, fu l'esperienza di base che ci porto' piu tardi nel 1980 a Torino alla fondazione del Gruppo Opera 80 con Francesco Fortino scultore.

 

 

Economia di mezzi, pittura, analisi del colore e del segno

1977 - 1985

 

Al di la' di tutti i clichés possibili che hanno visto da sempre la stragrande maggioranza degli artisti, in situazione di precariato economico e dover fare delle scelte al momento dell'aquisizione dei materiali artistici. 

Produrre un'opera che va' al di la' del valore dell'estetico implica che i materiali siano ottimi per raggiungere complessivamente un buon livello qualitativo, oggi diremmo standard museali.

Limitarsi al numero di tele da eseguire nel mio caso fu' normalita', soprattutto da giovane artista, in seguito i budget si arriccheranno in funzione delle vendite  e di una parte salariale di una carriera in insegnamento.

 

La mia ricerca inizialmente si focalizzo' sull'importanza della superficie, quindi 

l' importanza capitale del piano sul quale si consuma qualsiasi esperienza visiva.

Il bianco predominante dove si manifestano tutti i colori e' il foglio bianco dove il disegno, il tratto acquista valore assoluto.

I tre colori primari si alternano e dominano il percepito.

I quadrati si moltiplicano come da sezione aurea.

Il segno si stabilisce come forma primaria, il tracciare una linea retta da un punto a ad un punto b,tracciare diverse linee rette parallele che si espandono in spessore, diventando strisce, in un vibrato vocale, guadagnando la superficie diventano campo colore, naque cosi':  Superficie - Linea Striscia Quadrato, che si prolungo' fino al 1985. 

 

 

Opere da guardare, opere da leggere

 

In un' epoca in cui si e' alla ricerca del nuovo in assoluto, al brillante piu' brillante, tutto e' consumato freneticamente e l'arte non e' estranea a questo fenomeno. Le fiere diventano i supermercati del fast-art, dove scopri i nuovi fast-talenti, che una volta passata la porta d'ingresso hai gia' dimenticato.

Non serve a niente visitare un museo e vedere di passaggio 300 opere, ci si potrebbe  accontentare di vedere un'opera, in una sorta di slow- vision, guardandola con attenzione e' leggerla come si legge un libro, aldila' di una prima lettura superficiale: mi piace non mi piace, si scoprirebbero i tempi della creazione che non sono i tempi dello scappa e fuggi.

 

I tempi lunghi delle mie creazioni sono come le giornate di lavoro dell'artista che dal medioevo, in referenza all'affresco, dipingeva sul fresco e le rimanenze a fine giornata venivano scartate.

 

Dettata dai materiali che mi sono disponibili e della materialita' ricercata dell'impasto dei colori, il tempo di essicazione e' piu' lento, quindi mi riporta a continuare all'indomani.

Dipingere su uno o piu quadri allo stesso tempo, non e' mai stata una mia prerogativa, mi sono sempre concentrato ad una singola opera.

Il concetto di fabbrica non mi interessava ed ho guardato fedelmente questo aspetto fino adesso.

Per la mia curiosita' creativa, l'arte rimane pur sempre una cosa mentale ed il piacere nell'esecuzione  resta tutto intero.